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Conversaciones de Taller: Juan del Sante

“Conocer, investigar, hacer, dialogar, seguir, moldear, vivir”, son los verbos que quedan resonando luego de conversar con Juan del Sante, artista, escultor y Director de la Escuela de Bellas Artes de Valparaíso, quien lleva décadas forjando nuevos artistas junto a obras que moldea con gran sabiduría y talento.

He aquí nuestra conversación sobre cruzar el mar del arte:

¿Cuál es la relación que existe entre el arte y el medio Ambiente?

Con el arte uno puede ir generando consciencia en la gente. Hoy en día hay mucha gente trabajando en esto, defendiendo y haciendo consciencia. Nosotros, con el trabajo que hicimos este año en el Parque Quebrada Verde en el Encuentro de Escultores, fue enfocado en el sentido de preservar y hacer renacer el medio ambiente. En mi obra yo trabajé con el renacer del bosque. Hice 9 vasijas como unos úteros, simbolizando el nacimiento del ser humano, y adentro les puse semillas de peumo, de arrayan, de maqui y de pimiento, que son árboles de acá.  Es un montaje.

Un montaje, no una instalación, porque la instalación es transitoria y una vez finalizada, por lo general sus elementos terminan en la basura.

No, en este caso son maderas como tutores donde van a crecer los arbolitos; tutores de árboles con polillas y termitas que pronto se van a podrir, por lo que van a ser parte de la tierra.

“El renacer del Bosque” (Detalle y plantando las semillas). 

¿Es como una obra orgánica?

Claro. Y las vasijas son de greda que no está cocida, así que se van a transformar cuando crezca el árbol.

Una obra que está en gestación.

Está empezando.

Eso es interesante, porque nosotros estamos acostumbrados a crear obras que al final son una ilusión, aunque hay cosas que no las podemos crear. Ahora hay gente que crea semillas transgénicas. ¿Tú crees en un Creador que lo creó todo, que creó a las semillas y a los árboles?

La creación es algo que está ahí como el cosmos. Pero no me cierro a que pueda haber un Dios y que no pueda haberlo. Lo que sí, no pensaría jamás que es un Dios que me estuviera cuidando y mirando ni nada por el estilo. Además que si existiera, nos dio libre albedrío y cada uno es libre de sus actos, y Dios no te va a castigar si destruyes la naturaleza, la naturaleza misma te va a castigar por eso, pero no va a ser a ti, sino a las generaciones que vienen después. 

“El Renacer del Bosque”. 7 m. de ancho x 12m. de largo x 2,50 m. de alto.

Por algo existe el equilibrio de la naturaleza.

Frente a todo lo que uno haga va a haber una reacción. Depende lo que siembres lo que vas a cosechar, es lo mismo.

¿Cuáles son las temáticas que se están trabajando en la escultura acá en Valparaíso, hacia donde está tendiendo, qué están buscando los jóvenes?

Los más jóvenes van por el lado del objeto, no tanto por el hacer, es más el recolector que toma elementos y le cambia su identidad al objeto o sigue siendo como era y aparecen otros elementos. Pero no es algo como un movimiento. Es más bien una consecuencia entre lo que se ve y lo que hago, casi “lo que me piden que haga”. Pero acá en la Escuela seguimos enseñando la parte técnica de moldear los elementos, aunque también se les pide que vayan investigando.

¿Hay una pérdida del oficio?

Hay escuelas que llevan mucho al alumno a la teoría y no saben hacer. Les enseñan la academia del arte moderno y que murió la técnica y el hacer, y desde ahí los chicos empiezan a  trabajar pero no saben hacer, entonces muchas veces son muy precarias las instalaciones, los montajes o las obras, porque se nota el poco conocimiento de lo que significa trabajar una materia. Podrán pensar mucho el objeto que están presentando, podrán dar un discurso…

Es que les piden obras para un espacio y entonces aparecen las repeticiones de agarrar un zapato y llenar de zapatos y basura una sala, y eso, la verdad, es que lo puede hacer cualquier persona.

Claro. Es lo que les digo mucho a los alumnos: cuando ustedes vean libros, revistas en inglés, traten de saber lo que está diciendo. Porque aquí en Chile se han acostumbrado a copiar el mono, pero lo copiaban mal porque no sabían lo que pasaba ahí adentro. Porque el artista que estaba haciendo eso de tirar basura, el juntar elementos, ese recolector ¿Por qué recolectaba? ¿Cuál es el sentido de la recolección? Eso es lo que falta, hay un divorcio entre lo que es la materia y lo que es la idea, porque ellos están pensando y mirando hacia afuera, no están pensando en lo que yo quiero decir y lo que pasa con mi medio.

También hay una cuestión de querer saltarse pasos e ir directamente  al efecto pero muchas veces no hay oficio. Por ejemplo, ayer estuve viendo que en Rusia, en San Petersburgo, hay una academia de dibujo que ha seguido practicando el dibujo como obra de arte y paralelamente a todos estos movimientos contemporáneos. Cuando ves esos trabajos te entran directamente al alma sin pasar por el pensamiento, porque están tan bien hechos que no necesitan intelectualizarse, emiten belleza. Desde ese punto de vista, y con lo que hablamos, entonces no se trata de un tema estético.

No, para nada. Porque esa presunta muerte del arte, es como la muerte de la vida y de la belleza. Todos son artistas, todo es bello, o todo es feo; o nada es bello y nada es feo, es decir, todo es.

“Los Músicos” 370 x 310 x 70 cm. Encuentro de Escultores Parque Quebrada Verde 2012, Madera y Metal.

Una relatividad sin límites.

El año pasado aquí llegó un chico de una escuela de Francia que venía de la gráfica y que los últimos años se ha dedicado exclusivamente al arte digital. Y ese chico quería aprender a dibujar. Nos contactaron justamente por eso. Entonces decían que iban a instalar de nuevo el curso de dibujo.

(Risas) Al final todos se empiezan a parecer, porque los procesos mecánicos tienden a homogeneizar la producción.

Muchos chicos que salían de acá al extranjero, la mayoría terminaron metiéndose en las corrientes conceptuales y del montaje y todas esas cosas. La diferencia es que ellos son capaces de hacer, porque tienen las armas, son capaces de esculpir una piedra, de moldear elementos.

Ese es el tema, porque cuando tienes las herramientas puedes ir y explorar los nuevos medios y volver al taller. Exploras en el video y vuelves al taller. Exploras en todo lo que aparece para expandir la creatividad, pero siempre vuelves al taller. Los que trabajan al revés, no pueden volver al taller porque no tienen taller. Se quedan encerrados en esas limitaciones.

Ahí notas inmediatamente cuando no saben dibujar. Por muy internet que tengan no saben dibujar, porque no saben resolver las imágenes que presentan.

Aunque últimamente ha sido menospreciado como técnica, ¿Cuál es la importancia que tiene el dibujo dentro en las bellas artes?

El dibujo está en todo. Si vas a pintar tienes que tener dibujo. Si vas esculpir, necesitas dibujo. Entender el dibujo es entender el espacio de la bidimensionalidad. En la línea de la escultura tienes que entender el espacio tridimensional.

También hay un acto de meditación en el dibujo, un detenerse en relación a lo que estás buscando entender de la realidad. No es como sacar una foto en un segundo y después verla por computador pues no reflexionas en profundidad lo observado.

Antiguamente era el dibujo para. Si miras los bocetos de Da Vinci o Miguel Ángel, ellos van captando lo que va a aparecer luego en la pintura o la escultura. Por eso cuando miras los dibujos de Da Vinci son muy distintos a los de Miguel Ángel, porque uno va pensando en el volumen cuando está dibujando, y Da Vinci no, él está dibujando y pensando en el espacio del plano, por eso va haciendo el esfumado, porque posteriormente eso va a ser la pintura. En Miguel Ángel son rayas, por lo general rayas curvas porque él quiere el volumen.

Se lo va imaginando.

Claro. Cuando ellos dibujaban eran cientos de bocetos, cientos de bocetos para lograr un personaje. Acá llegan y sacan la idea con dos o tres reyas y vamos haciendo. Entonces no hay tampoco esa reflexión: ¿Cómo voy a representar lo que yo quiero decir?

Es que las herramientas tecnológicas van acortando los procesos de trabajo. Es por una cuestión de tiempo.

Si tienes al alcance los elementos técnicos no hay por qué no usarlos. Lo que sí, hay que preguntarse: ¿Dónde está la obra?  ¿Cuál es la obra? ¿Es lo que está hecho o es la idea, el concepto? Por ejemplo el Guernica, en el Museo Reina Sofía, hay un salón grande donde hay cientos de bocetos que hizo Picasso para el Guernica, y además de los bocetos ves cuando ya estaba pintando e igual hizo cambios en la pintura. Entonces vas viendo el proceso del dibujo y cada uno de los personajes, como va cambiando la composición, entonces, no es la cosa inmediata. Si hubiera hecho veinte bocetos y se hubiera puesto a pintar no hubiera tenido la fuerza con la que terminó, ni el dramatismo, y por sobre todo, el sentir el horror ¿Cómo lo logra? Va dibujando, dibujando, buscando, buscando y  sobre todo la composición para llegar a ese caballo. Picasso casi toda su obra es en sección aurea, así logra llegar a ese punto de equilibrio.

¿No es eso develar la belleza? ¿Qué es para ti la belleza?

Mira, para mi es vivir, el estar aquí. En casi todo hay belleza, aún en las cosas manufacturadas, también son bellas.

“Durmiente 3 La Espera”. Piedra sedimentaria y metal. 163  X 107  X 30 cm. / “Durmiente 1 Ensoñación”. Piedra sedimentaria y metal 160 X 70 X 43 cm.

¿Pero en términos de concepción artística?

Ahí podemos tener dos bellezas. En un objeto que este bien hecho pude haber belleza. Es sin pensarla, inmediatamente lo encuentras bello. Es como cuando vas en la calle y hay una niña linda y es linda, punto, no estás pensando más allá, no estás conociendo su forma de ser, qué pasa en su interior, nada de eso. Y en la obra es lo mismo. Pero hay veces en que te metes en una obra y ahí está la belleza, no está tal vez en el objeto físico, sino justamente adentro de la obra y cómo se manifiesta.

Tiene que ver con buscar la armonía, con explorar.

Sí, pero explorar con conocimiento y saber lo que estás haciendo. Pero siempre debes dejar una abertura a las cosas que puedes llegar a reconocer o conocer por primera vez cuando haces algo. No es simplemente tirar elementos. Eso es lo que vemos aquí, la mayoría de las cosas que ponen en esa vitrina de la Aduana, al lado de la Sala Puntángeles, de repente hay unas porquerías que el tipo no tiene idea de lo que está haciendo, o sea está haciendo una obra moderna lógicamente, pero no se da cuenta que esa porquería se hizo cuarenta años atrás y no tiene técnica, ni nada; no hay conocimiento, es totalmente desarmado, porque el personaje no ha investigado, no ha pensado, no ha visto, no ha leído, no se ha planteado después qué es él frente a eso.

Es cuando no hay oficio y falta de creatividad.

Pero no es problema de él, pues estuvo en una escuela donde se le dijo que el dibujo ya no servía, que la pintura ya no servía, que hoy para hacer arte y ser contemporáneo es eso. Lo que pasa es que muchas veces todos esos teóricos jamás han estado en un taller, jamás han pasado ninguna de esas cosas, ellos pueden decir y dar indicaciones a los alumnos, pero no son capaces de hacer tampoco.

Ahí hay un fuego cruzado, en la intromisión de la filosofía en el trabajo del artista. Hay muchos engaños en el mundo del arte. Ya que hemos visto algunas carencias y engaños, a tu juicio, ¿Cuáles son los peligros en el mundo del arte?

Cualquier academia, si te cierra al alumno es mala. Porque le está dando una sola visión de lo que sería arte. Para mí una escuela es la que simplemente le entrega las herramientas para poder hacer y dejar lo más amplio posible para que ellos solos investiguen y luego sabrán hacia donde se van. Pero muchas veces son los mismos maestros los que a sus alumnos les hacen hacer lo que él hace.

Ahí hay otro peligro. Es como imponer un estilo. Me acuerdo hace tiempo leí la biografía de Gustav Courbet, decía que abrió un taller pues necesitaba dinero y una de sus clausulas decía: ”No imitar lo que yo hago”. Entonces duró poco haciendo clases porque justamente era admirado por lo que hacía.

¿Qué vendría siendo lo bueno de copiar la obra de grandes maestros? El saber hacer como lo hizo él.

¿Crees que hay otro tipo de peligros, más allá de la enseñanza, en lo relacionado a la creatividad y la imaginación? Porque se supone que el arte es algo paralelo a la realidad.

O bien, el arte es la realidad. Porque nunca puedes pensar en algo que no conoces, y si piensas en algo que no conoces y lo llevas a la imagen, siempre va a ser una imagen reconocible.

“Por Ti” Aluminio fundido, 33 X 23 X 3 cm.

Entonces tú dices que tiene que ver con el conocimiento.

Al conocimiento interior y exterior, a ese equilibrio. Lo que pasa es que en la medida que tú te conoces  vas a ir conociendo mucho mejor al medio, qué es lo que pasa afuera y qué pasa adentro.

Pero puedes tener una enciclopedia de conocimiento pero si no hay entendimiento de nada sirve toda esa información.

Ahí hay un peligro ¿Para qué estoy aprendiendo? Yo debo saber mis necesidades.

¿Y la creatividad se puede aprender?

Yo creo que todo el mundo tiene creatividad, la cosa es desarrollarla y saber cómo aplicarla.

Pero la creatividad no se puede transferir. Tú puedes enseñar una técnica, pero no transferir un talento.

Tú puedes mostrar; le demuestras lo que él puede hacer mediante causa y error, y si le da en el blanco una vez, bien, pero ¿Por qué fue eso? ¿Cómo fue? No significa que debes repetir siempre lo mismo. Es estimularlo. La creatividad está en uno.

Igual es una responsabilidad, porque si sabes que la tienes no puedes ser flojo con eso, sobre todo si eres artista.

La flojera es algo inherente a uno, hay que ir luchando contra el no querer hacer, hay que ir esforzándose.

Tiene que ver con la perfección, la que te demanda estar trabajando y ser inconformista y querer llegar a esa perfección; es como una fuerza interna, pero eso tampoco se puede transferir en la enseñanza del arte.

Lo que pasa es que puedes ayudar a esa persona para que no se quede ahí, que siga, que siga.

También tiene que ver con la autoconfianza.

Hay muchos factores.

Hay que tener harta psicología para trabajar esas áreas.

O sentido común. Uno no ha estudiado psicología como para llevarlo por ese lado. Si estás enseñándole el hacer técnico, a lograr el equilibrio de la obra y la idea, ahí es donde entra la persona que debe investigar y aprender de lo que está hecho. Para eso está la historia.

Siguiendo esa idea, hagamos un salto hacia las políticas culturales de Chile, donde no se ha dado un arte que nos identifique como país, una tradición visual con identidad propia ¿Qué necesitaríamos para que se logre en términos políticos?

Nosotros siempre hemos mirado hacia afuera. Todo conocimiento tiene una historia y a partir de la historia vas haciendo. En Chile no hay historia.

Pero hay elementos visuales que uno puede rescatar como base histórica.

A partir de la colonia. La herencia de acá estaría más cercana a lo que estaban haciendo los diaguitas y de ahí haber tomado y partir haciendo algo. Por eso en México hay tantos artistas metidos en el concierto internacional del arte, porque ellos tienen una tradición y creen en su historia, y jamás la han renegado. Acá en Chile se ha renegado siempre del pasado. ¿Por qué? Porque nosotros somos los ingleses de América.

(Risas) Pero eso no lo cree nadie.

Eso es Chile, aquí estuvieron matando en 1914 a todos los indígenas de Chile, se pagaba por la cabellera y las orejas de los indígenas. Recién ahora se está hablando que los mapuches son los originarios. En los años sesentas no existía la historia en Chile, la historia era desde que llegaron los españoles.

Era prehistoria (risas), la llaman historia precolombina.

No, historia de Chile, es a partir de los españoles que lograron dominar y se instauran aquí, significa que es a partir de 1700. 

 

“Construcciones de Pasado y Presente”. Aluminio fundido, 29 X 23 X 23 cm. 

Acuérdate que los primeros cronistas llegaron haciendo dibujos, cartografía, representando a esta tierra con el imaginario íbero. El mismo Ercilla veía a los mapuches como la Ilíada de Homero. Pero volviendo a las políticas culturales y a la falta de espacios en la región para exponer arte ¿Qué piensas de los espacios culturales que siendo públicos no tienen convocatoria abierta, es decir, no son democráticos?

Ahí ves que no hay una política cultural, por lo que no se sabe cómo funcionan las distintas reparticiones de esos espacios del estado. Porque tú no puedes ir a reclamarle y decirle: “mire, las políticas culturales de Chile dicen esto, por lo tanto este espacio debería estar abierto a lo que dice aquí.” Pero como no hay nada claro, no puedes reclamar.

Pero dicen que el estado se encargará de difundir las artes y la participación ciudadana y bla, bla. Y te dicen, “si usted quiere participación ciudadana, aquí tiene un papel y anote todo lo que piensa y nosotros lo estamos escuchando, no se preocupe” y te dejan ahí.

Porque no hay claridad sobre el funcionamiento, en un papel, un reglamento para optar a esos espacios.

¿Cual crees que es la función o responsabilidad del artista dentro de la sociedad?

Nadie ha dicho cual es la responsabilidad de un artista, no está establecido, por lo tanto yo la decido.  A mí no me pueden estar diciendo usted como artista tiene que hacer esto, porque no lo aceptaría.

Por ejemplo, la función del médico dentro de la sociedad es sanar vidas.

La función del arte no va sólo por el lado de crear belleza, a lo mejor podría ser el estar remeciendo siempre a la sociedad, que no se quede tranquila, que no se duerma, que esté siempre alerta. Por ejemplo, ahora están matando a cientos de personas, y ¿cómo yo puedo hablar de eso? ¿lo puedo llevar a través del arte? Es como se hizo con Guernica. Ahora nadie piensa en Guernica sino que ve la obra, entonces uno podría decir que la obra falló porque yo veo una obra y no a las personas que están muriendo, ni siquiera sé que Guernica era un pueblo que bombardearon y donde murieron montón de personas.

Hay gente que piensa que Guernica es un caballo.

(Risas) O como bien decía un profesor de historia del arte de la universidad donde estábamos pasando el muralismo mexicano, y precisamente como funciona la obra: viene un terrateniente que llega a la ciudad y ve una obra de Orozco donde hay un tipo a caballo pegándole latigazos a sus obreros para que trabajen. Entonces el tipo se queda pensando en la obra y dice: "Cómo no lo pensé antes".

(Risas) En el Tratado de la Pintura Leonardo decía, defendiendo a la pintura del fuego cruzado que existía en esa época con la poesía, que la pintura era más universal que la poesía porque no tenía quien la defendiera porque es muda,  se defiende a sí misma. También decía ¿Acaso una pintura donde aparece un chimpancé retratado, y viene un chimpancé real y observa esa obra, no ve a su semejante y piensa que está vivo? A mí me ha pasado últimamente con mi hijo de un año, el que ya se reconoce en las fotografías, logra percibirse a sí mismo en un espacio bidimensional.

Lo que pasa es que esas son peleas de teóricos, no de artistas. No podemos comparar las expresiones con otras, cada una vale por sí misma.

“Contenedor de Pasado y Futuro“. Aluminio fundido, 33 X 20 X 19 cm.

¿Cuál es el origen de la creatividad?

La vida, eres tú, eso está en ti. De dónde viene la creatividad es de donde viene el pensamiento.

¿Y de dónde viene el pensamiento?

De ti, de lo que conoces y procesas. De esa manera puedes ir recreando los elementos y mejorando una idea.

¿Y cómo se te ocurrió esa idea?

Del momento que lo pienso, es porque estoy vivo, tengo vida.

 ¿Y por qué lo pensaste tú y no otra persona?

Por los procesos de conocimiento, por tu forma de ser, por tus gustos ¿Conscientemente sabes por qué te gustan unos colores más que otros?  No lo sabes. Y la creación va por ese lado. ¿Por qué nace ese pensamiento? Nace por mi necesidad de decir algo, de hacerme entender, de poder expresarme. Las cosas no nacen porque sí.

Contacto artista:

juandelsantegu@hotmail.com

Tel:82636506

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